What happened during last month’s auctions? Or, M. indulges her newfound passion for numbers

On October 25th and 26th , Christie’s Dubai held two auctions of Modern and Contemporary Arab, Iranian and Turkish art; a day earlier, Ayyam Dubai held its 11th auction of Middle Eastern Art. How do they compare to April 2011 auctions, and can any trends be identified concerning Lebanese art prices?

Like last time, click on pictures to zoom in!

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]Vladimir Kurumilian[entre deux crochets]

Depuis son très jeune âge, parce qu’une histoire doit commencer ainsi, Vladimir Kurumilian grandit sans jamais quitter le piano, l’instrument qu’il se choisit  à 5 ans.

Après une interruption pendant cinq ans de ses cours au Conservatoire National d’études pour poursuivre ses études d’architecture intérieure, il se remet au piano pour ne plus le lâcher. Sa mission? Continue reading

A glance at what Lebanese art is worth, or, M. tries to conquer her fear of numbers and excel spreadsheets

 ETA 02/11/2011: A typo inadvertendly occurred concerning Flavia Codsi’s most recent auction result. It is USD 18,000 and not USD 10,800.

The following is an attempt to answer a question I have been interested in for a long time: what is Lebanese art worth?

One way to answer this question is to visit galleries, another is to look at auction results.

Obviously, the auction numbers do not cover each and every living and deceased Lebanese artist. Some of them never appear at auction because none of their works are available on the market, some dealers prefer not to participate in auctions, some artists do not like to their works to appear at auction for whatever reason;.. so these numbers are unfortunately incomplete.

Much has been made of the auctions initiated by Christie’s (2006) in Dubai, followed by Sotheby’s (2008) in Doha and later Ayyam Gallery in Dubai and Beirut. From the onset (and I will speak strictly of Lebanese art), prices were set higher than ever before for deceased artists. For living artists however, estimates tend to mirror gallery prices (see charts 2 and 3).

But for every work that breaks records such as Abboud or Baalbaki, many barely make the reserve price and some do fail to sell.

What I attempt to do here

I compiled the auctions results at all Christie’s Dubai auctions from April 2006 to April 2011. Unfortunately, Sotheby’s Doha results are not available online (or I was not internet-savvy enough to find them). I also compiled all the results from Ayyam auctions that were available online (April 2011).

As a point of comparison, I ran a search for Lebanese artists on Christie’s website to find instances of Lebanese artists sold at auction in Europe but could only find a couple measly results, so I did not take these into account. Fortunately, Sotheby’s disastrous October 2011 London auction came to the rescue to offer allow us a tentative comparison between Lebanese art’s draw in Europe vs. the Middle East.


1.I charted the number of times Lebanese artists were sold at auction by Christie’s in Dubai, and how many of these times they were sold within, under or over estimation. Then I did the same for the Ayyam auctions, and Sotheby’s recent London auction.

2.I compared Christie’s Dubai results to Sotheby’s London results

3.For every artist that appeared at auction more than once over the past five years, I charted his or her price evolution to try and identify trends.

4.I weighted each lot equally, regardless of technique and importance within the artist’s oeuvre, i.e. a lithograph from the beginning of a career has the same weight as the artist’s ultimate masterpiece

The results of my findings appear after every chart, followed by general remarks, after the jumb (CLICK TO ZOOM IN ON CHARTS)

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Doppio Senso/Tarik Mouzdawej, double sens, quatre thèmes, plusieurs artistes, un seul projet.

Un groupe d’artistes réunis par un personnage mystérieux, ‘uscochi’ , à la base du concept, dans une expérience unique de journalisme graphique.

Des artistes pluridisciplinaires, des peintres, graphistes et illustrateurs, se sont se sont mis en binômes pour un atelier de travail, dans les lieux du Collectif Kahraba,  afin de réaliser des oeuvres qui illustreront quatre livres aux thèmes différents.

Huit artistes donc, de diverses nationalités (quatre italiens, trois libanais et un syrien) – Jana Traboulsi, Paper Resistance, Barrak Rima, Gianluca Costantini, Fadi Adleh, Allegra Corbo, Hala Dabaji et Vito Manolo Romache – et quatre thèmes: le portrait, le paysage, les espaces intérieurs et l’environnement, exposés de vendredi 14 octobre à dimanche 16 octobre aux Saifi Urban Gardens.

Quelques jours avant l’ouverture de l’exposition, nous avons rencontré  ‘uscochi’ et Allegra Corbo dans les bureaux de Plan Bey. Cette dernière nous a expliqué que cette expérience était sa première dans le domaine du journalisme graphique Continue reading

Tamara Al Samerraei ou l’invitation au voyage…

Tamara Al Samerraei, Fleeting Fences

22 septembre – 15 octobre, Galerie Agial

Dès notre entrée dans l’espace de l’exposition, nous sommes happées loin de l’enfer des embouteillages de Hamra par le monde de Tamara Al Samerraei, enlevés par l’oiseau tout comme cette petite fille en culotte rouge dans la vitrine, emmenés on ne sait trop où, immergés dans une ambiance  enigmatique. 

Des surfaces blanches qui s’emboîtent : des toiles coupées, décollées, puis fixées sur d’autres, tirées sur châssis, enfin accrochées sur des murs blancs.

Il est difficile de ne pas ressentir l’omniprésence de “SomethingWhite” (2008) dans “Fleeting Fences”. Ce sont les mêmes blancs qui nous invitent à nous plonger dans l’univers ambigu de l’artiste pour achever l’œuvre. Des monstres, des chiens, des avions, des pistes d’atterrissage, des aplats de couleur noire, reviennent de manière récurrente. Sont-ce les angoisses de Samerrai ou les nôtres ? Ses rêves ou ses cauchemars ? Des résurgences de son enfance, ou de toute enfance telle qu’elle la conçoit ?

La petite fille devient, tour à tour, femme téméraire, guerrière, séductrice voire perverse. Elle est retournée vers son enfance cette fois-ci confinée à des souvenirs lointains et incertains, à un paysage sensible et cérébral à la fois. Dans ce paysage d’avant et d’ailleurs s’immiscent les traces de la réalité sous la forme de photos de famille imprimées, réimprimées, collées, décollées déchirées ou complétées…. Une incursion qui devient invasion, s’acharne sur la petite fille – annihilée, elle devient de plus en plus petite, volatile, presque transparente, tout juste une trace, un signe d’invitation à l’introsprection.

Ranine Homsy et Maya Hage.

Saifi Village Quartier des Arts?

The Introduction to the Adventure

Last Saturday, I found myself walking around Saifi Village with the conversation inevitably turning to the pros and cons of this neighbourhood’s very existence. (Pros: but it’s pretty! Cons: why is it only the nouveaux riches that live in pretty houses? )

Trying to escape the irritating lack of substance of such a discussion I ventured in corners of the Village never properly explored by your servant (oh the irony of calling it a village will never end) .

At some point, I turned right,walked down the alleyway, and found was met with an unassuming wihte-framed window, adorned with a black sans-serif inscription, in all its late-twentieth-century modernity: piece unique. (no accent on pièce, i too had to look twice). So far, the only unique thing about it seems to be its utter lack of visual identity and interior design. Confused by blandness, I walked in wondering what was the conceptual line between a white room with stuff hung on its walls and an art gallery.*

The wonderful S. covered their last exhibit  in these very pages, but I had missed it, and had to content myself with the present one: Artists for Peace, which did a surprisingly good job of being on my facebook’s radar for a disproportionate amound of time. Its selling point, which  doubles as a redeeming factor for its existence, is that it was organized by the   Society of Saint Vincent de Paul Lebanon, an NGO dedicated to helping the poor in many fields, medical, social, rural development, educational, emergency response. All the proceeds of Artist for Peace thus go to working towards peace initiatives in Lebanon – uncontestably a noble and laudable idea.

Putting all causes involved aside, I think one can still discuss the experience of Pièce Unique.

I will now announce so we are all clear: this is not a piece of art criticism, it is a lighthearted description and impressions of an art gallery visit. (Us at the BAC team also do actual criticism, except not in this particular article. Feel free to browse the archives or wait for upcoming posts).

The Unfolding of the Adventure

I walk in.

– Good afternoon!

No answer, not even a blank stare

– Could you please tell me which one of the works is Guinevere Vanderbilt’s?”

– Guinevere WHO?

– Guinevere Vanderbilt-Rockefeller

– It’s the blue one

– Sorry, which blue one?

– (Visibly annoyed, in the tone of a menopausal bulldog ) THE ONE IN THE CORNER

Pièce Unique’s staff shines with their good manners. Deep inside, I felt a little bit offended because the lady didn’t think I could be a client and wasn’t worth the effort. I suppose she does not care about selling anyway, she is not getting a commission.

And that’s really starting a trend, after S.’s curator incident.

Yet, undeterred by this inauspicious start, I politely request a price list.

– On the table.

I fish the price list out of a pile of neglected brochures thrown on a table in the center of the room. Reasonable prices indeed, good strategy for a charity event.

Looking around, I see about twenty correctly-executed drawings, paintings, and collages and a bit of photography. Good feelings are emphasized (some works verge on the tearjerker, but that’s their purpose.) Self-reflection is encouraged. And this ends my quick description of a mostly inoffensive show that mostly failed to catch my attention, except for nice examples of small works by Zena Assi and Nada Sehnaoui.

The End of the Adventure

Now, To preempt any accusations of repeated assaults on the undeserving, the poor and the helpless and to explain why I bothered to write about a non-incident

1. The place is Solidere-run. (oh no she went there!) By which I mean – Solidere is a large, competent institution that is largely capable of providing its clients with a better quality of service. Moreover, the state of neglect of the gallery itself should be remedied. It reflects badly on an organisation that fashions itself sophisticated to run a gallery where lighting is not properly studied, there are no captions near the works except for dirty stickers with numbers, and price lists are printed on A4s with ballpen scribbled on top. Furthermore, Pièce Unique enjoys an enviable spot in the heart of downtown Beirut and could be put to good use to showcase the best of what Lebanese art has to offer, if indeed its owners pride themselves on showing tourists, and the Lebanese too, shiny side of Lebanon’s capital city.

2. I had never planned to visit Pièce Unique and the present piece represents my accidental musings prompted by a chance visit to the gallery on a rainy Saturday, added to my bad case of procrastination. Next article will be epic and just needs more research, and i’m terrible with excel sheets.



* I know the two can be purposely blended. Still, I’m not sure a commercial space should be uninviting.


Saloua Raouda Choucair ou quand l’art a une âme

Saloua Raouda Choucair: Enfin une rétrospective dédiée à cette grande artiste (la derniere a eu lieu en 1974!). Organisée par Saleh Barakat de la Galerie Agial et Hala Choucair, la fille de l’artiste de la Fondation Saloua Raouda Choucair. L’exposition a lieu du 27 Septembre au 13 Novembre 2011 au Beirut Exhibition Center.

Saloua Raouda Choucair remplit l’espace frigide du BEC (Beirut Exhibition Center) en mettant toute son âme dans le bois, le marbre, le métal, les pierres de tout genre,  la terre, même le plastique… aucun matériau n’est trop noble ou trop banal pour que l’artiste l’attaque avec toute sa force créatrice.

L’exposition est divisée en 8 parties. La première, ‘Bored with Realism, 1941-1949, est consacrée à la première rébellion de Choucair contre le réalisme, une période qui est constituée des exercices et croquis d’étude à la mine auxquels succèdent des gouaches. L’on observe une petite évolution vers l’abstraction dans les gouaches sur le mur d’à coté. Mais ceci est surtout visible dans les trois tableaux placés en face du mur où sont placés les croquis. Un buffet fait son apparition-il aurait peut-être été plus à son avantage au centre de l’espace afin que la modernité du meuble soit visible à 360 degrés. Un autre léger point noir: une reproduction sur le grand mur du fond, dont la qualité d’impression laisse pour le moins à désirer.

La deuxième partie est intitulée ‘Trajectory of a Line 1951-1961’, ou la trajectoire d’une ligne, qui prend Choucair de la rébellion contre le figuratif à un abstrait extrêmement épuré. Un abstrait qui se rapporte à la magie et au spirituel, une géométrie des lignes dans l’espace infini: l’artiste choisit un plan de cet espace, sa toile ou son tapis, pour y définir ses lignes. Saloua Raouda Choucair a sans doute voulu décrire l’indescriptible, l’indéfinissable, poussée par sa fascination par l’art islamique, ses formes géométriques et surtout la façon dont ses lignes suivent une trajectoire pour définir des formes qui peuvent se métamorphoser à l’infini.

Duels et tiraillements multiples: réalisme contre abstrait mais aussi déchirement engendré par la guerre civile libanaise que l’artiste a entièrement vécu au Liban. Un bois brut adouci par les mains de l’artiste qui en deux (ou plus) formes distinctes mais fusionnelles, impliqués dans une relation où se mêlent douceur et tension. Ces Duals (1975-1985, 3eme partie) caractérisent l’œuvre de Raouda Choucair entre le début de la guerre et 1985, et précédent des créations inspirés par la poésie arabe. Ces sculptures plus anciennes (1960-1968, 4eme partie) sont composées de plusieurs éléments qui sont à leur tour des œuvres en bonne et due forme.

Tout comme les mots se succèdent dans un poème sans perdre de leur valeur, pris chacun seul, les éléments de chacun des Poems vibrent aussi pris indépendamment l’un de l’autre dans une harmonie cohérente.

Des créations du moins poétiques qui s’offrent à notre regard. Le quatrième groupe d’œuvres est inspiré par les poèmes arabes, d’après le texte qui les accompagne. Ses sculptures qui sont composées de plusieurs éléments qui peuvent se défaire, sans avoir une moindre importance car chaque élément peut se tenir seul. La recomposition, elle est programmée selon un ordre bien spécifique pour pouvoir rassembler toutes les pièces ensembles. Tout comme les poèmes sont formés de mots mis l’un à la suite de l’autre, sans qu’un mot prononcé seul perde de sa valeur; de cette façon s’accordent les pièces de chacune des œuvres mises sous le titre de ‘Poems’ et qui couvrent de 1960 à 1968.

On revient ensuite à la période précédent la guerre avec Trajectory of the Arc où les œuvres fragiles mais imposantes, en métal, fil de plastique, plastique transparent, lentille en plastique… reflètent toute la lumière artificielle du BEC et la transforment en des vibrations quasi-tactiles. La lumière, un des points faibles de l’exposition, ne rend pas justice aux œuvres.

Dans la cinquième partie de l’exposition intitulée  ‘Modules:Paintings 1947-1957, Sculptures 1980-1985’, on touche à l’essence du fonctionnement pratique des divisions et calculs que l’artiste effectuait pour explorer les possibilités d’assemblage infinies de l’objet et de  l’unité.

Son travail que ce soit en deux dimensions ou en trois, en atteint presque une autre, au-delà du quantifiable: celle de l’infini, des formes idéales avec un grand I, de l’essence même du moderne dans le constant dynamisme de l’objet, sculpte mais jamais figé. Des créations à l’image de l’artiste.

Au-delà de la sculpture, Raouda Choucair a aussi réalisé des Water and Garden Projects entre 1970 et 1990, des projets fantastiques non realises de fontaines atypiques et de jardins fantomes…Ces creations imaginaires touchent toujours les themes directeurs de l’oeuvre de Choucair-sa recherche de l’infini, d’un certain ordre cosmique present aussi bien au niveau des galaxies qu’a celui de la texture du bois, et meme de l’ADN humain, un sujet qu’elle explore entre 1990 et 1996, sa Late Period (8eme partie). Ici, des sculptures massives en metal brillant se transforment comme par magie sous l’emprise de l’éclairage artificiel.

Une photo de l’atelier de l’artiste à l’entrée de l’exposition est placée peut-être pour dire, d’une certaine manière qu’on l’a rendu présent dans cet espace d’exposition. Ce lieu mythique, presque mystique, lieu de vie de la relation entre l’artiste et ses créations, multiples- pour Raouda Choucair, ses sculptures, mais aussi ses bijoux, ses tableaux, ses tapisseries et ses objets décoratifs.